Más que un baile, la danza jazz es una expresión interior

La danza jazz es una mezcla de danzas etnológicas y sociales que acoge distintas modalidades como pueden ser el jazz tradicional, el gospel, el funk, el primitivo afrocaribeño o  el Broadway jazz, que actualmente se baila en muchos musicales. La flexibilidad del cuerpo y un alto grado de formación son dos de los valores necesarios para poder hacer de esta danza un ritmo de vida. Ambos, junto con la capacidad de concentración y de coordinación, definen los rasgos principales de este tipo de baile.

Padre de una gran familia de estilos

Tiene su origen en las danzas negras del siglo XIX, y tras un siglo en el que se forjó creando adeptos desde la nada,  la danza jazz es una de las actividades más demandadas por los jóvenes en la actualidad en la que se emplean múltiples técnicas como las del ballet clásico, la de la danza contemporánea y la de la expresión corporal.

Si algo caracteriza a la danza jazz es la fluidez y el amplio abanico de posibilidades que presenta. Existen tantas combinaciones de esta danza como se puedan imaginar, pudiendo abarcar distintos registros desde un mismo origen. Esta es la cualidad que la ha permitido alcanzar un puesto de honor entre las preferencias de la sociedad actual. La base la danza jazz es el expresar. Se busca la unión entre danza y música, sin diferenciar entre ellas, sin importar de qué registro musical se trate. Lo único importante es la expresión. Los límites acaban ahí.

Los nuevos tiempos implican cambios que afectan a todas las facetas de la vida. Y la música no podría ser menos. En una época en la que el producto final debe ser lo más completo posible, se valora la facilidad de un cantante para poder expresar sus sentimientos de una manera bifacética: por un lado, transmitir con la voz; por otro, transmitir con el cuerpo.

falta de versatilidad

Numerosos ejemplos pueden ser citados a lo largo de la historia, desde los saltos atléticos de MC Hammer, hasta los deslizamientos acariciando el suelo del rey del pop. Todos ellos tienen algo en común: crear una marca comercial más completa que una canción o un artista en sí mismo.

El éxito comercial depende de muchos factores y hoy en día en más fácil salir a la luz creando un espectáculo completo con coreografías que componiendo una canción con una guitarra. Aunque la tergiversación de los instrumentos necesarios para crear un enriquecimiento bidireccional, música-baile, conlleva a veces una interpretación poco acertada de las canciones, quedan ejemplos memorables en los que música y baile se funden en un mismo sentimiento.

Las actuaciones en directo han dejado de ser algo estático para llenarse de dinamismo y baile pero, sobre todo, de playback; mucho playback. Esto no conduce a otro sitio que a la falta de versatilidad; lo peor que le puede pasar a un artista. El espectador busca entretenerse, por lo tanto,  el artista debe aportar una música en movimiento que sea capaz de hacer permanecer activos a cuantos más sentidos sean posibles.

Un claro ejemplo de fusión entre música y baile sería “They dont care about us” de Michael Jackson.

Seguramente, muchos (si no todos) de vosotros recordaréis la campaña publicitaria “Ellos también pueden”. Un mundo sin manchas se trató de una iniciativa social que puso en marcha el detergente Puntomatic para luchar por distintas causas sociales, entre ellas, el reparto igualatorio en los hogares. Su baile y su canción se hicieron famosos tanto en la red como en los medios de comunicación tradicionales.

los gayumbos no se lavan solos

Uno de los motivos que llevó a Puntomatic a realizar esta incitaba, es que la mujer dedica cinco veces más tiempo que los hombres a las tareas domésticas. Para luchar contra ello, además de un spot de televisión y diferentes ejecuciones gráficas, se desarrollaron una serie de acciones con las que se pretendió aumentar el impacto del mensaje. Una de las iniciativas más curiosas quizá fue el envío de lavadoras personalizadas a cien líderes de opinión (personajes de la política, administraciones públicas, deportistas, periodistas y escritores) para involucrarles en la difusión del mensaje de la campaña.

Otro aspecto que no pasó de inadvertido, fue el recorrido de un autobús por las principales ciudades de España impartiendo el curso instantáneo para poner la lavadora. Por último, en Internet se creó la página www.unmundosinmanchas.com. En esta web, las mujeres podían incluir en una lista sucia a todos los hombres que no colaboraban en casa. Una especie de “lista negra” que, para ser borrado de ella, los hombres debían pasar un test un tanto peculiar.

El impacto fue tal, que la iniciativa no tardó en ser objeto merecedor de un premio. La ministra de Igualdad, Bibiana Aído, acompañada de la secretaria de Estado de Comunicación, Nieves Goicoechea, y del presidente de la Corporación RTVE, Luis Fernández, entregaron el III Premio Mujer y Publicidad “Crea Igualdad” a la campaña “Ellos también pueden” de Puntomatic, realizada por la Agencia Shackleton para la empresa Persan, por su llamamiento explícito a la corresponsabilidad en el hogar.

Repercusión en los Medios de Comunicación, declaraciones,imágenes y datos de la repercusión de la campaña:

Anuncio Puntomatic:

El Vals se trata de una danza con más de dos siglos de vida. Su ritmo hipnotizador sigue cautivando al público alzándose como un baile imprescindible en enlaces matrimoniales. Es el número uno entre los bailes románticos y su tradición se renueva todos los años, desde 1941, con el tradicional Concierto de Año Nuevo de la Orquesta Filarmónica de Viena, seguido vía satélite por más de DOS MIL MILLONES de personas. Las primeras melodías de vals vienés datan de 1770.

un baile “indigno” del futuro

Se trata de un estilo derivado de los landler: danzas montañescas y rústicas propias del sur de Alemania y de Austria que ya se conocían en los siglos XII y XIII. El landler se extiende por Europa en el siglo XVIII pero únicamente en ambientes rurales ya que, como baile “serio”, resultaba muy mal visto y, al igual que otras danzas campesinas, era repudiado por la alta sociedad.

Sin embargo, es a partir de la revolución ideológica de finales de este siglo y con el fin de la etapa absolutista, cuando la burguesía pasa a tener un papel importante a costa de la nobleza: con ello, la aparición del vals en la alta sociedad resultó, sin duda alguna, la mayor revolución de la historia de los bailes. Aquello que parecía indigno, resultó sobrevivir en el futuro: ahora, el vals, se entiende vinculado a las bodas, entre otras cosas.

Poco más tarde, burgueses y nobles introducen esta modalidad de baile en los salones más prestigiosos de Europa. Que un hombre abrazara por la cintura a una mujer, frente a frente, en posición cerrada, era algo que nunca se había visto entre gente educada.

Basada en la sensual técnica del striptease, combinado con movimientos de pilates, yoga y ballet, el “S Factor” ha cautivado el corazón, si no el cuerpo, de miles de mujeres en Estados Unidos y Los Angeles, desde su aparición en 2001 hasta la actualidad. Su creadora, la actriz Sheila Kelley (stripper en la película “Dancing at the blue Iguana”), dejó claro que el objetivo de este baile no es desnudarse, sino despojarse de tabúes sociales. Se trata de soltar el animal sexual interno de la mujer y aumentar la confianza.

el animal sexual interno

La “S” de su nombre, representa la ondulación del movimiento sensual del cuerpo femenino. Durante los ensayos en un salón, luz es tenue y no hay espejos, para que las practicantes, en promedio de 27 a 58 años, no juzguen sus cuerpos y se concentren más en sus movimientos. La técnica se basa en la creencia de enseñar a las mujeres a amar sus cuerpos tal y como son. La flexibilidad y tonicidad muscular se consigue con la constancia y rutina de los movimientos.

Su desaprobación provenía de gente muy conservadora, de derecha, que pensaba que la técnica está diseñada para excitar a los hombres cuando, en realidad y según su creadora, está diseñada para que la mujer celebre su propio cuerpo. Y, aunque en sus comienzos recibiera continuas y duras críticas, la actriz ahora cuenta con siete estudios, un libro y un DVD. Hoy en día, “está siendo aceptado por más gente, gracias en parte al respaldo publicitario de celebridades como Daryl Hannah, Oprah Winfrey y Lisa Rinna”.

Es más, hoy en día esta técnica cada vez se ve con mejores ojos y no es de extrañar teniendo en cuenta las siempre presente imágenes eróticas en los medios de comunicación, la lectura, el cine y otros medios donde ya no resultan amenazantes o vergonzosas.

El Lago de los Cisnes, obra de Piotr Tchaikovsky, se trata de uno de los ballets más representados de la historia de la danza. La obra se conoció por primera vez en Rusia y su estreno tuvo lugar en el Teatro Bolshoi de Moscú en 1877. En un primer momento, recibió duras críticas lo que supuso u duro golpe para su autor que, tras ello, estuvo sin componer música para ballet durante 13 años.

Odette y Odile 

El punto de inflexión data de 1895, en el Teatro Maryinsky de San Petersburgo durante un homenaje póstumo al compositor: esta vez resultó un verdadero éxito. La soberbia interpretación que realizó Pierina Legnani en el doble papel de Odette y Odile ha pasado a formar parte de la leyenda de la danza. Esto llevó a la obra a mantenerse en el cartel durante, ni más ni menos, que 6 años.

Por más que su hechizante historia recorre toda la gama de emociones humanas, el consenso popular se inclina a señalar la música de Piotr I. Tchaikovsky, “el más admirado compositor de música de ballet en la tradición clásica que jamás haya existido”, como la mayor responsable, por estar repleta de ricas melodías muy apropiadas para danzar, y sumamente bellas y agradables de escuchar. Su gran prestigio la convierte en un show obligatorio que se incluye en el repertorio de las compañías de ballet clásico siendo muy pocas las que lo excluyen en sus espectáculos.

El Locking se trata de un baile nacido en la cuna de Los Angeles por Don Campbell, conocido también como Don Campbellock. Nació como un intento de imitar el “funky chicken”, un baile local, pero esta vez añadiendo un detalle: un efecto de cerrado en los brazos y en el conjunto del cuerpo, a modo de inclinación, que le hizo famoso y se constituyó como su firma.  Se trata de un movimiento específico que combina movimientos de pasos con agudas extensiones de brazos y piernas y de movimientos elásticos.

 lockers dancer’s groove

Don Campbell, junto con bailarines como Greg “Cambellock Jr” Papa, Jimmy “Scooby doo” Foster, Fred “Sr. Penguin “Berry (Apodo Rerun), The Go-Go-Brothers (Tony Lewis y Edwin” Buddy “Lombard), James” Skeeter Rabbit, “Higgins, Leo “Fluky Luke” Williamson, Johnny “Sambo Lock ” McCloud, Charles” Robot ” Washington y Bill “Slim Robot” Williams y muchos otros originales de la vieja escuela se reunían en clubes nocturnos como  The Citadel” in Hollywood , The Summit on the Hill or Mavericks Flats a compartir pasos y movimientos.

Se trata de un género resultante de la mezcla con otros estilos callejeros de la época del momento. Los movimientos son, generalmente, grandes y exagerados, lo que se conoce como “groove” (tener “rollo”). No se trata de algo propiamente del locking sino como un atributo de estos bailes derivados del Hip Hop.

Los lockers eran conocidos por una acrobacia singular en sus movimientos: realizaban saltos cayendo sobre las rodillas y culo. Esta danza ganó la mayoría de su fama a través de varias actuaciones televisadas pero, sobre todo, impulsado por el que se entiende el Padre del Locking: Don Campbellock.

Grandiosa interpretación: primera pareja lockers Vs segunda pareja poppers

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Cien horas de grabación para un homenaje a la altura del ‘Rey del pop: “This is it” ha resultado ser un auténtico éxito. La película con las últimas grabaciones de Michael Jackson apareció en las taquillas de los cines como un regalo póstumo para sus fans, en el que se muestra al “rey del pop” en plena forma mientras repasa sus grandes éxitos.

El Mosaico musical

El estreno tuvo lugar en la capital madrileña; congregó a unas 200 personas ataviados con sombreros y guantes blancos. Tal ha sido el éxito de este documental que, tan sólo en Japón, se vendieron un millón de entradas en 24 horas. Es más, numerosas estrellas de Hollywood asistieron al estreno en Los Ángeles.

Con un duración próxima a las dos horas, el filme trata de reconstruir el espectáculo que Jackson hubiera ofrecido en los siguientes 50 conciertos previstos para Londres en verano de 2009, cancelados por la repentina tragedia de su muerte el 25 de junio de ese mismo año. “Es una saludable idea de lo que This is it (nombre que llevaban las actuaciones británicas) podría haber sido”, explicó en su día el director de la cinta, Kenny Ortega, quien también era responsable de la puesta en escena de la frustrada reaparición del cantante sobre los escenarios.

Se trata de una película que es posible gracias a las más de 100 horas de grabación y rodaje; los ensayos tuvieron lugar en Los Angeles entre marzo y junio del mismo año, imágenes que, en un principio, la idea era formaran parte de la colección privada del artista pero que, tras su trágico fallecimiento, acabaron por transformarse en la última entrega de su mediática vida, digamos, su última actuación.

La danza del vientre se trata de una danza milenaria que fue impulsada por una etapa de auge en el cine egipcio. Aunque sus orígenes son algo confusos, algunas de sus raíces se fijan entorno a Egipto donde, originariamente, se bailaba en los templos como culto a la fertilidad humana y de la tierra así como también un modo de idolatrar a los dioses. Así mismo, combina elementos de diferentes países del Medio Oriente y Norte de África. Normalmente se actuaba en casa de ricos o en cafés, acompañada de músicos pero sólo a partir del momento en que la danza empieza a concebirse en un sentido de profesionalidad.

Raíz árabe de influencia europea

En los países árabes, esta danza se conoce como Raks Sharki que significa, literalmente, “Danza Oriental”. Este término se empieza a utilizar en el siglo XIX por los europeos que viajaron a los países exóticos en busca de nuevas culturas, costumbres y paisajes. Es más, podría decirse que los europeos contribuyeron a su desarrollo: el ballet europeo influyó decisivamente en la nueva etapa pues, en este momento, el cine egipcio cobra un gran auge. Las películas solían contar como protagonista con una bailarina o incluían en su trama alguna escena de baile oriental, lo que impulsó notoriamente su presencia en la sociedad. 

Ahora, es parte de la cultura de la mayoría de los países árabes, sobretodo en Egipto, Turquía y Líbano. Actualmente, se ha popularizado y también se practica en muchas ciudades occidentales llegando, incluso, a la América Latina donde el máximo y más representativo ejemplo de esta danza es la famosa cantante colombiana, de padres egipcios, Shakira (lo que podría explicar la facilidad con que realiza los movimientos que ha dejado perplejo a medio mundo). 

Página oficial de Shakira:

My hips don’t lie

Beautiful liar: Beyoncé & Shakira

Imagen del Ballet Nacional de Cuba

El ballet ruso Bolshoi vuelve a cuba por primera vez después de 30 años. Los bailarines compartirán interpretarán conjuntamente  y compartiendo escenario con los bailarines del Ballet Nacional de Cuba el 13 de febrero. El encuentro tendrá lugar en una gala especialmente dedicada a la feria del libro.

Cuba y Rusia de nuevo compañeras de escenario

 El ballet ruso Bolshoi actuará en la XIX Feria Internacional del libro de La Habana. Este año estará dedicada a Rusia, que ésta supondrá la reaparición en la isla después de 30 años de ausencia. El espectáculo se basará en una fusión de estilos u escuelas que darán lugar al disfrute de un “diálogo armónico”, resultado de la interpretación del Bolshoi y del BCN, que dirige la legendaria y veteranísima bailarina Alicia Alonso, de 89 años.

Entre los bailarines cubanos destacan Anette Delgado, Alejandro Virelles, Bárbara García, Ernesto Alvarez, Sadaise Arencibia, Javier Torres, Viengsay Valdés, Elier Bourzac, Yanier Gómez, Camilo Ramos, Gustavo Pérez, Alejandro Silva y Yonah Acosta. El “lago de los cisnes”, “Raymonda”, “Espartaco”, “Giselle” y “Carmen”; tan sólo alguno de los clásicos que anuncian para este evento.

Cabe señalar uno de los motivos que han llevado al acercamiento entre Rusia y Cuba: Las relaciones mejoraron con la visita a la isla del presidente Vladimir Putín en el 2000. Por su parte, el mandatario cubano Raúl Castro realizó una estancia oficial a Rusia en enero del año pasado, 23 años después de la última visita de su hermano Fidel.

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El intérprete Dámaso Pérez Prado

 
El mambo se trata de un estilo de danza cuyos orígenes se remontan al contiente africano; con un ritmo desarrollado en Cuba, el mambo se convirtió en uno de los estilos musicales latinoamericanos más populares de mediados de la década de los años 50. Sin embargo, teorías afirman que este baile se desarrolla en la década de los años 40 a partir de otra danza, la conocida Rumba. Lo que sí es cierto, es que su  aparición supuso la primera vez que las parejas abandonaron la tradicional posición de bailar pegados, dando así la posibilidad de que cada bailarín se moviera de manera individual. 

Bailar separados, es bailar

La historia del mambo moderno comienza en 1938, cuando Orestes López escribió un danzón al que bautizó “Mambo”. La esencia de la canción derivababa de los bailes de salón europeos, como el baile inglés country, la contredanse francesa y la contradanza española, pero usando ritmos que derivan de la música folclórica africana.

 
La fiebre del mambo tendría su momento culmen a mediados de los años 50. El mambo que llegó a Nueva York, se practicaba con un estilo sofisticado que ponía a bailar a todo espectador que “por allí pasara”, hasta el punto de ver el Palladium Ballroom, una de las famosas salas de baile de Broadway, con un público totalmente entregado. Por último, señalar a uno de los grandes intérpretes de este baile; una figura que ha marcado huella desde que el mambo dio sus primeros pasos: Dámaso Pérez Prado. 

La Danza Contemporánea se trata de un estilo de baile basado en la técnica del ballet clásico. Surge en el siglo XIX como una necesidad de buscar una alternativa a su estricta técnica: por primera vez, comienzan a observarse bailarines descalzos, realizando saltos menos rígidos que los tradicionales de la danza clásica. Como nota distintiva, cabe señalar la importancia del individualismo, la abstracción y la entrega al arte.

Romper con la tradición

Una cualidad interna de la danza contemporánea es el alto grado de interpretación que exige; con esto, el bailarín pretende entablar un “diálogo” con su espectador, es decir, los movimientos se sincronizan con la música a fin de transmitir una emoción, una idea o un pensamiento que permiten la conexión entre el bailarín y su público. Se diferencia también del ballet clásico en los recursos multimedia que se emplean como ornamento escénico: de este modo, un escenario de danza contemporánea puede admitir el acompañamiento del bailarín enfatizado con vídeos o imágenes de fondo.

Con una menor rigidez en la ejecución, esta danza buscar sacar los sentimientos más escondidos del bailarín mediante la fusión de movimientos corporales propios del siglo XX y XXI y los pasos tradicionales característicos del ballet, así como de cualquiera de sus modalidades. Actualmente existen dos técnicas: La Graham, y la Cunningham, pero los bailarines contemporáneos suelen revolverlas. En sus inicios, existieron dos modelos de escuela de danza contemporánea: la americana y la europea.
Diferencias entre el ballet clásico y la danza contemporánea:

De todo menos triste. La alegría de bailar un Rock&Roll:

Cualquier actividad relacionada con el baile u otros aspectos para la integración de personas discapacitadas es un buen ejemplo para empezar a hablar de progreso social. Se trata de desarrollar habilidades y destrezas en cada persona participante, mediante el trabajo permanente de la constancia y la disciplina, demostrando que la discapacidad no es un impedimento. Impulsar y motivar el desarrollo integral del individuo a través de la danza, en la búsqueda del mejoramiento de la autoestima y el estado de ánimo.

Autoestima sobre ruedas

El grupo al que hoy nos referimos, es tan sólo uno de los proyectos que se llevan a cabo en la actualidad para trasmitir a las personas con discapacidad la alegría y el entusiasmo necesario que les permita elevar su autoestima y sentirse importantes, tanto individualmente, como útiles a la sociedad.

El “Grupo Alma” tiene sus orígenes en el año 1990 cuando Susana González Gonz creó y bailó junto a Demián Ariel Frontera una coreografía de Tango realizada en el 1º curso de Danza en silla de ruedas dado en Buenos Aires. Se presentaron así en el Campeonato Europeo de Danza (se recuerda, en silla de ruedas) que tuvo lugar en Munich en enero de 1991, avalados por la Embajada de la República Federal Alemana, siendo los primeros y únicos representantes de Argentina y de América Latina.

Fundado y dirigido por la propia Susana González Gonz, el Grupo Alma integra tanto a bailarines y actores profesionales como a personas que sufren algún tipo de discapacidad desde la creencia de “todo ser humano cualquiera sea su condición, puede desplegar sus alas y hacer volar sus sueños”.

Con esto no pretendo ir a “lo fácil”: simplemente creo que este, en concreto, es un buen espacio para incluir este vídeo. No tengo nada que ver con su realización. Simplemente, míralo y si el minuto 1′ 10″ no te dice nada, siento haberte inducido a abrir los ojos e insultar a tu ignorancia.

El Fox-Trot (“paso del zorro” o “trote del zorro”) debe su nombre su creador, un americano que responde al nombre de Harry Fox. Se trata de una popular danza estadounidense que nace entre 1910 y 1912 con las primeras orquestas de Jazz. Se habla de su origen o, al menos, de una gran influencia, en las danzas que las tribus negras interpretaban y que consistían en imitar al movimiento de los animales, creando así un nuevo estilo de baile de salón.

Zorros de salón

Según algunos expertos, la referencia más antigua de este baile aparece en el libro Danza con zuecos de madera, publicado en 1876. El nombre proviene de la semejanza de sus pasos con los que deja el zorro al caminar sobre la nieve.

Su momento culmen tiene lugar en la década de los 30, ya asentado y bien recibido por la sociedad. No fue así en Europa, donde los sectores más conservadores, hostiles y menos dispuestos a los cambios,  mostraron una fuerte oposición; sin embargo, poco tardaría el Fox-Trot en introducirse y asentar sus bases en el continente. Su popularización creció como la espuma.

Del Fox-trot surgen dos modalidades, derivados de éste, cuya única diferencia del fox-trot original es el ritmo y la velocidad. De este modo, existe el más rápido en la ejecución, el Fox-trot (Quickstep) y el más lento, conocido popularmente como Fox (Slow-Fox).

Junto con el vals, aunque este estilo resulta algo más complejo, se trata de uno de los bailes de salón más clásicos y que más admiración despierta. Pero, a diferencia del primero, éste se baila en plano, es decir, manteniendo una altura uniforme con la pareja.

El Clowing se trata de un estilo de baile callejero. La historia de esta danza de velocidad y dificultad extrema, tiene sus comienzos con Tommy “El Payaso” (mírese la fotografía: un antiguo vendedor de droga recién salido de prisión, comienza a trabajar como payaso en fiestas infantiles). Con este estilo, Tommy pretendía alejar del mundo de el ambiente de las drogas y del mundo de las bandas callejeras a los jóvenes adolescentes de la ciudad de Los Angeles, pues nada bueno podría aportarles.

enfrentamiento racial

Con un estilo callejero, similar al del Breakdance, junto con los movimientos más agresivos del Krumping, el Clowing se escenifica en una batalla incruenta de danza de velocidad y energía extremas. Existen diferencias entre las diversas tendencias de esta danza y entre los grupos que las defienden, desde su manera de entender la vida y el arte, hasta su forma de escenificarlo a través de ropa y maquillaje: como payasos unos, como guerreros los otros.

Tommy “El payaso” organiza las “batallas de baile”, algo parecido a los Jamm que nombrábamos en el apartado del HipHop y los raperos. En ellas, las diferentes corrientes se enfrentan para demostrar cuál de ellas representa mejor a los jóvenes de los suburbios de Los Ángeles.

Nace el clowing

El 29 de abril de 1992, cuatro policías blancos acusados de propinar una brutal paliza al afroamericano Rodney King fueron absueltos, a pesar de las abrumadoras pruebas que demostraban su culpabilidad. Esto cristalizó en un incremento de los enfrentamientos raciales, agravando todavía más la situación. La angustia y la desesperación de los jóvenes de color más desfavorecidos del barrio disminuia cada vez de manera más vertiginosa.

En este momento Thomas Johnson, un antiguo vendedor de droga recién salido de prisión, comienza a trabajar como payaso en fiestas infantiles. Los bailes que acompañaban sus actuaciones, así como también llamó la atención su maquillaje de payaso, no tardarían mucho en marcar tendencia: los jóvenes vieron nacer al Clowing como alternativa a la violencia.

Sin embargo, el tono amable de las “batallas” que escenificaban Tommy y sus seguidores en sus bailes pronto fueron evolucionando hacia unos movimientos mucho más agresivos. Aparecen nuevos grupos, nuevos maquillajes y otros bailes que se distanciaban del creado por Tommy. Así surgió el Krumping, que se extendió por toda la Costa Oeste de EE.UU. y ha dejado sentir su influencia en buena parte del país.

El musical se estrenará el próximo mes de marzo

Entradas Teatros de Madrid

“Forever King of Pop” es el nombre del musical-homenaje a Michael Jackson cuyas audiciones y castings se celebran en el Teatro Coliseum de Madrid, en busca de una oportunidad para formar parte del reparto, que contará con una plantilla de 40 artistas. El estreno tendrá lugar el 13 de marzo de 2010 en el Teatro Lope de Vega de la capital. Cerca de 400 personas se presentaron sólo el primer día bajo una misma atmósfera de sentimiento basada en la admiración y respeto hacia el artista. Las audiciones no sólo buscan al doble perfecto de Michael, sino también un cuerpo de baile profesional que le acompañe durante la función. El espectáculo está producido por Summo Music.

Madrid busca a “Jackson”

“No es exactamente un musical, sino un homenaje y tributo a Michael, un recorrido por todos sus éxitos, en solitario y con los Jackson 5″, explicó el productor Carlos Javier López, quien añadió que se van a seleccionar 14 bailarines, 16 voces en escena, además de imitadores y otros artistas.

Aunque la obra se conecta con la vida del artista, su productor afirma que no se contará “la historia de Michael” sino que se trata, más bien, de una “historia de amor y magia hacia lo que es la música y todo el entorno de lo que Michael quería transmitir. Vamos a hacer una fiesta alrededor de su música, sus bailes y su mensaje de que la Tierra está enferma”, apuntó López.

Se buscan bailarines versátiles que “sigan la línea de Michael” que estarán dirigidos bajo el trabajo coreográfico de Yolanda Torosio. Además de bailar y cantar bien, el protagonista debe contar con un registro único. Su director, Miguel Blanco apunta:  “Estamos buscando candidatos que canten como él y eso nos está costando muchísimo porque él tenía un registro único, que superaba por encima de las chicas y llegaba como un barítono”.

Además de las coreografías, el espectáculo contará con una pantalla con vídeos, efectos especiales, efectos de pirotecnia y un coro gospel, que acompañarán la presentación de 32 canciones, entre ellas éxitos como Thriller, Billie Jean o Black and White.

Ante el eclipse del arte andaluz

Fondo Flamenco, \”Mi estrella blanca\”

Opino que sobre el hombre, más que la historia, manda la geografia y si no, que le pregunten a un andaluz. El flamenco; un baile andaluz que, por sus raíces, su belleza y popularidad puede considerarse como uno de los bailes nacionales de referencia más representativos de España: el flamenco es arte. Nace en la región meridional de Andalucía en donde algunos lo atribuyen a los “courtiers”, flamencos durante el reinado de Carlos V de España al principio del siglo XVI. Los andaluces defienden el baile con pasión, fervor, sentimiento y fuerza. La danza masculina y femenina difiere en sus actitudes y las técnicas. La primera favorece el zapateado y el segundo el braceo. Flamenco es, sobre todo, una cuestión de temperamento y para bailarlo, tienes que vivir el sentimiento andaluz.

Pasión mestiza

Los primeros datos sobre un tipo de música emparentada con el flamenco se remonta a mediados del XVIII. En su origen cuenta con raíces mestizas, en parte judía, árabe, gitana y en parte andaluza. Los ocho siglos de dominación musulmana dejaron huella con una variada raigambre cultural. Mientras el bailarín recibe todo tipo de palmas y miradas, la guitarra castellana toca el punteado, como aprendió de su hermana, la guitarra morisca.

Esa personalidad expresiva que se interpreta a golpe de pasión en la música popular andaluza va a ser reinterpretada por los gitanos, a posteriori de su entrada en la Península Ibérica en el siglo XV. No puede hablarse de cante flamenco antes de llegar los gitanos a Andalucía. Pero tampoco de un arte exclusivamente gitano debido a que en ningún otro lugar del mundo los gitanos cantan flamenco. La expulsión de los judíos y la conquista del último reducto árabe en el sur de España, coincide aproximadamente con la llegada de las primeras tribus de gitanos. Se fueron conformando de este modo, comunidades clandestinas.

Todo lo que se relacionaba con lo gitano, incluso sus seductoras versiones de cante y baile, fue asociado a la delincuencia y a los bajos fondos. Por esta razón, he escuchado que el flamenco permanece oculto, o quizás en estado embrionario, sin trascender de esos reducidos ámbitos sociales bajoandaluces en los que se irá desarrollando pero, sinceramente, creo que el flamenco está muy presente en muchas y muy variadas comunidades autónomas españolas; esto lo ha conseguido con apenas dos siglos de vida.

El Charlestón se trata de una modalidad derivada del Fox-Trot, que tuvo una gran acogida en Estados Unidos durante de la década de la Gran Depresión, finalizando la década de los años 20. Con un ritmo frenético y alegre, su melodía se caracteriza por el sonido de instrumentos de viento, como el trombón y el clarinete, en su mayoría. Se trata de uno de los bailes más acelerados de entre todos los estilos y modalidades de danza existentes; exige una gran velocidad en la ejecución de los movimientos y puede bailarse, o bien en pareja o bien individualmente.  

una Influencia diabólica

Como consecuencia de la paupérrima situación que se vivía tras la Guerra Mundial y el Crack de Wall Street, el Charleston se alza, no sólo como un ritmo más, sino como un símbolo que caracterizó a una época de despreocupación. En ese momento, la gente joven tan sólo buscaba la diversión, tratando de eludir así las tensiones y problemas que una época de fracaso y destrucción había dejado tras ellos. De este modo, se deshicieron de todos los convencionalismos para adoptar una vida más frívola. De hecho, la asombrosa popularización de baile permitió que fuera categorizado en su día como una “influencia diabólica” para la juventud.

Hombres y mujeres bailaban despreocupados; de este modo, poco a poco el Charleston dejó de ser un simple pasatiempo para convertirse en una competición. Los nuevos ritmos del jazz conocieron a una mujer mucho más atrevida y desinhibida: se maquillaba, fumaba y hasta se atrevió con la moda más lanzada: los pantalones.

More about Charleston

El Uprock se trata de un estilo de danza callejera que nace en la década de los 60 en alguno de los distritos de Brooklyn. Se trata de una variación del B-boying, en el que prima es la chulería de los bailarines que, como en casi todos los estilos de calle, se enfrentan en una batalla incruenta con un único objetivo: la humillación pública del rival. Se trata de los llamados “burns”: la manera en que un rocker gesticula con brazos y manos para imitar y asaltar al oponente, humillándolo pero siempre sin llegar a tocarlo.

Up rocking & Floor Rocking

 El enérgico y visual baile alcanzó tal popularidad que, para no confundirlo con la música rock, se le bautizó con el nombre de Up Rocking (o también aceptado como Top Rocking). Como danza, cuenta con una estructura identificable aunque siempre hay espacio para la creatividad individual durante una batalla, algo muy característico de los bailes de índole callejero: la libertad de movimientos se configura como la marca del bailarín por la que se diferencian unos de otros; una forma rápida y sencilla de identificación.

 La alta competitividad no tardó mucho en exigir la introducción de nuevos movimientos: ahora se buscaba “guerra” en el suelo. Aparecen así el Footwork, o también conocido como Floor Rocking. (movimientos de piernas realizados en el suelo apoyando el peso sobre los brazos) y los freezes. El Top Rocking no fue reemplazado por el Floor Rocking, sino que ambos se fusionaron en un intento de impulsar la danza a una nueva dirección, a principios de la década de los 80.

El Chotis se trata de un ritmo lento y ceñido, de origen extranjero pero que acaba por identificarse plenamente con el espíritu de Madrid. El 3 de noviembre de 1850, se celebra en el Palacio Real un sarao en el que se baila, por primera vez en España, el Chotis bajo el nombre de Polca Alemana. A partir de ese momento, alcanzó gran popularidad y llegó a ser el baile más castizo del pueblo de Madrid, hasta convertirse en un símbolo del Madrid festivo.

extranjero pero castizo

En un primer momento, el Chotis fue un baile cortesano, ceremonioso y galante, nacido en salones de la realeza pero con el paso del tiempo se fue popularizando, hasta convertirse como en un símbolo lírico de Madrid.   Según el periodista José Ayala, el chotis, y su organillo acompañante, fue introducido en Madrid por un inmigrante siciliano apellidado Abbruzense, que durante una estancia en Viena aprendió el secreto de las pianolas y fue el primero en traerlas a Madrid, instalando su taller en la Calle de San Francisco. En la capital se las llamó “organillos”, y la música de ritmos austríacos, llamada Schotis, encandiló a los chulapos madrileños. En una calle de la ciudad, en la Cava Baja, aún hay un bar que recuerda esta historia y cuyo nombre es “Schotis”.

El chotis se puso de moda en toda Europa durante el siglo XIX: se baila en pareja cara a cara y no se requiere de amplios escenarios pues se dice que el hombre no necesita más espacio que el de una baldosa para bailarlo. Las mujeres suelen bailarlo ataviadas con un mantón de Manila y los hombres suelen lucir una boina. Son los chulapos de Madrid.

El cheerleading o animación consiste en usar conjuntamente música, baile y gimnasia para conseguir que los aficionados animen a sus equipos en los partidos. El origen del cheerleading se remonta a finales del siglo XIX, en Estados Unidos, donde un aficionado entonó un cántico en un partido para enfervorizar al público asistente. El verdadero auge de la animación coincidió la década de los 80, en donde un desarrollo más pormenorizado de los saltos y movimientos gimnásticos permitió conseguir completamente el objetivo para el que fue creado.

“Animación deportiva”

En la década de los 90 surgieron asociaciones que no estaban vinculadas a ningún tipo de evento deportivo y agrupaban a equipos profesionales de cheerleading que pretendían alejarse de sus orígenes y definirse como un estilo de baile en sí mismo, demostrando las aptitudes compitiendo internamente.

La cultura de cheerleading comenzó a expandirse de Norte a Sur de América, donde  la Asociación Nacional de Porristas (ANP) o la Organización Nacional de Porristas (ONP) en México, han llegado en la actualidad incluso a superar en tradición y adeptos a sus vecinos del Norte.

El aumento de la importancia de las retransmisiones deportivas ha generado un aumento proporcional de la necesidad de incluir el cheerleading como parte del espectáculo. A su vez, el aumento de demanda a conllevado un aumento de oferta, llegando a alcanzar los 100.000 adeptos en el mundo.

En el siguiente video se puede observar una idea general de lo que implica el cheerleading como baile. Acrobacias y mucha fuerza física como manera de animar un espectáculo.

Eva Yerbabuena interpretando "Lluvia"

La bailaora Eva Yerbabuena nos deleita con ‘Lluvia’, su último espectáculo que se estrena en el Teatro Español de Madrid en el que estará hasta el próximo 15 de marzo. “Lluvia” es la séptima coreografía de su compañía después de que el año pasado se cumpliese el décimo aniversario de su creación en 1999.

Lluvia que deja perplejo

La gran acogida del espectáculo “Lluvia” en el Festival “Santiago a Mil” que se celebró  en Santiago de Chile, donde más de mil espectadores disfrutaron y se emocionaron con una de las exponentes mundiales del flamenco, dio paso a un nuevo éxito algunos días más tarde, a miles de kilométros, en Casablanca (Marruecos). La próxima parada será Londres donde la artista de “Ballet Flamenco”  Eva Yerbabuena permanecerá tres días tratando de inquietar  al público del Sadler’s Wells con ese sincero ‘homenaje a la melancolía, al desamor, al estar vivo, al sin fin de la vida’.

Una de las peculiaridades de este nuevo acontecimiento es el trabajo que ha desarrollado con niños de la ONCE a los que dedica ‘Palabras rotas’, una de sus nuevas coreografías para la que ha necesitado la colaboración de varios profesionales que la ayudaron a aprender la lengua de los signos, lo que la llevó a cuestionarse si de verdad hacemos uso de todos los sentidos.

Pero los idiomas “no son un impedimento” para esta artista, que afirmó que “la magia que tiene el arte” es que “en el momento te hace borrar dónde estás y con quién estás”, “como si estuvieras siempre en casa”.

El origen de la natación sincronizada, inicialmente conocida como ballet acuático, data de 1920 en Canadá, década a partir de la cual se empezó a extender por Estados Unidos teniendo más éxito del esperado, sobre todo con el auge de los musicales acuáticos. La carrera para convertir este deporte en olímpico empezó  en la década de los 70, cuando se empezaba a mostrar al mundo la complejidad de este deporte mediante exhibiciones en las olimpiadas. Pero no fue hasta Los Ángeles 1984 cuando se convirtió en deporte olímpico.

Bajo el agua

Las exigencias necesarias para alcanzar un nivel de competición en esta modalidad de “baile acuático” comienzan  por una gran fuerza física, agilidad e interpretación musical. La dificultad de crear una coreografía bajo el agua requiere de una dedicación y una constancia características de este deporte. La necesidad de una sincronización perfecta obliga a un control físico total que permita armonizar los movimientos, creando un solo movimiento continuo y ligero.

Hablar de natación sincronizada en España es hablar de Gemma Mengual, la deportista española más laureada de la historia. Nacida en 1977 en Barcelona, es considerada una de las mejores nadadoras de todos los tiempos. Cada uno de los años desde 2000 hasta la actualidad  ha cosechado numerosos éxitos deportivos tanto individuales como colectivos en las modalidades de Combo, Solo, Dúo y Equipo, dominando en europeos, mundiales y juegos olímpicos. Como ejemplo de sus actuaciones,  el video de la plata lograda por Mengual en el Mundial de Natación de Roma 2009.

La necesidad de mejorar el nivel de vida de los mayores ha llevado a la sociedad a dar una última vuelta de tuerca: el ejercicio, además de  haber sido  siempre uno de los métodos más efectivos  en la prevención de enfermedades, sirve como terapia antisedentarismo.  Por otro lado, la convivencia social en la tercera edad, acto que cada vez se hace más complicado,  junto con la actividad física, se erigen como pilares fundamentales en la vida de todo anciano que vive acompañado o alojado en una residencia. La combinación de ambos factores ha terminado por desembocar en lo que parecía obvio: el baile puede formar parte de las actividades de entretenimiento que completen la última etapa de la vida.  En él se fusionan ejercicio  físico y convivencia social.

Físicamente activos

Estudios psicológicos recientes demuestran que las personas mayores asumen el reto de aprender bailes de salón como una forma de mantenerse activos físicamente, lo que además permite una mejora sensorial, motriz y perceptiva. El baile empieza a emerger como terapia alternativa al tradicional sedentarismo asociado a la época de la jubilación. Los habituales centros sociales en los que se promovía un entretenimiento pasivo están dando lugar a los nuevos centros que combinan ocio pasivo con ocio activo (entiéndase por ocio pasivo juegos de mesa, cartas, dominó, entre otros ejemplos). El panorama urbano de la tercera edad está condenado a sufrir una continua metamorfosis que desembarque en la total comprensión de lo que implica envejecer.

El baile no entiende de edades. Las limitaciones físicas no son más que un reflejo de las limitaciones mentales. Nos rodeamos de tópicos… “querer es poder”. A continuación comparto una muestra de lo que todos podríamos hacer al rozar la novena década.

Tanto el público como el jurado del famoso concurso Britain’s Got Talent se rieron de ella antes de su actuación. Transcurridos unos segundos, Susan Boyle callaba las bocas de todos aquellos escépticos que no le concedieron el beneficio de la duda, que se mofaron de ella. Para todos aquellos ineptos, Susan vendió 8 millones de copias de su primer álbum en tan solo un mes y ahora visita España para participar en el conocido programa de baile ¡Mira quién baila!, televisado en Telecinco.

Micrófono por zapato de tacón

Cantante y voluntaria de una iglesia católica escocesa, Susan Boyle se dio a conocer el 11 de abril de 2009, cuando actuó como participante de la tercera temporada del programa televisivo británico donde, de manera estrepitosa, su fama creció como la espuma tras su interpretación de “I Dreamed a Dream”, del musical “Los Miserables”, nombre que da título a su primer álbum.

La cantante visitará este miércoles España para bailar en el escenario del primer programa que emite Telecinco del concurso. Pero ésta no será la única aparición de la cantante en nuestro país; aprovechando su paso por la cadena, Boyle estará presente también en el plató del programa de Ana Rosa Quintana, el de mayor audiencia en el horario matinal. Se trata de una de las primeras visitas al continente europeo de Susan Boyle, que ha sido número 1 en 21 países, protagonizando el mayor acontecimiento musical del año. Todo un logro para alguien por el que nadie apostaba.

Interpretación de Susan Boyle en el concurso británico: “I Dreamed a dream”

El patinaje sobre hielo tiene cuenta con un origen antiquísimo: comenzó con un “arreglo” que los hombres inventaron, hecho con huesos de animales, para poder así atravesar lagos y arroyos congelados. Este curioso “medio de transporte” pronto se convirtió en diversión popular que practicaron todos los status sociales. En Europa, el patinaje artístico comenzó a interesar entre la aristocracia de Holanda, en el siglo XVII. Los movimientos se combinaron con música: esta sincronización entre paso y melodía dio origen a un nuevo estilo de baile sobre hielo, que cautivó la atención de innovadores ante este nuevo “ballet sobre hielo”.

¿Baile o deporte?

El primer club de patinaje se fundó en Philadelphia, en diciembre de 1849. Uno de los personajes más destacados de la época fue Jackson Haines (fotografía), maestro del patinaje y el baile; revolucionario, apostó por los movimientos expresivos y libres. Pero su trabajo no alcanzó la popularidad suficiente entre el rígido y conservador público americano lo que le llevó a probar en escenarios europeos. Su éxito fue inmediato, especialmente popular en Viena, donde dio nombre al llamado “Estilo Internacional de Patinaje Artístico”.

En 1921 se creó el USFSA (United Status Figure Skating Association) con el objetivo de difundir el patinaje y promover su crecimiento. En este momento, comienza a debatirse si el patinaje sobre hielo debe ser considerado una disciplina deportiva o un baile, a pesar de haber sido considerado deporte olímpico en 1908. Finalmente, en 1924 el patinaje sobre hielo forma parte de los Juegos Olímpicos celebrados en Francia. Su progresiva y constante evolución propició la aparición de coreógrafos que se encargaron de seleccionar los temas y hacer que los movimientos sean más sincronizados y armoniosos. Hoy en día, el patinaje sobre hielo es considerado un deporte de alto nivel competitivo.

Federación Española de Patinaje Artístico

Si la “teoría del superhombre” de Nietzsche no convenció a los más escépticos creyentes de las verdades antropomórficas, el “ver para creer” ha llegado a su fin. ¿Quién dijo que los sordos no pueden bailar? La ignorancia ha amurallado la mente abierta del hombre que ya, por desgracia, no recuerda lo que es eso: conocer otras verdades sorprendentes aparte de la propia existencia. ¿Qué una persona sorda no puede bailar? Si el hombre ha llegado a la luna (otra cosa es que lo hiciera en un tiempo diferente al que se dio a conocer la noticia), el ser humano puede proponerse cualquier cosa que se le antoje. Esta entrada está dedicada especialmente a todos esos ignorantes que reducen a las personas discapacitadas a una mera materia en descomposición. 

Sordos con ritmo

La Bodhisattva China de la Compasión Guan Yin. Todas las integrantes del grupo son SORDOMUDAS.

Conocida en el mundo occidental como la diosa de la misericordia; sirve como inspiración a Disabled Art Troupe, un grupo de artistas chinos sordos que mediante sus representaciones coreográficas han maravillado al mundo. La gran escena para ellos comenzó desde los Juegos Paralímpicos de Beijing en el 2008, y sirvió de hito para llevar su arte al mundo.

Sus espectáculos han recorrido más de cuarenta países y han maravillado al mundo con la precisión de sus danzas tanto por el nivel de dificultad en la realización como por el hecho de que con solo la ayuda de unos entrenadores logran compensar la ausencia de ritmo auditivo, parte trascendental para cualquier coreógrafo o profesional del baile. Aun si no fueran sordos es realmente asombroso.

DOS JOVENES MEXICANAS YA CREARON UN DISPOSITIVO PARA SORDOS

Consta de un programa que convierte las canciones a un formato en el que las personas oyentes pueden oírlas y las personas sordas pueden sentir las vibraciones.

Se coloca un aparato en la cintura y otro en la muñeca; así los jóvenes pueden sentir las vibraciones de la música. El sueño de sus creadoras, dos jóvenes estudiantes latinoamericanas (del Estado de Durango, México) es que este dispositivo pueda llegar a todos los sordos y sordos ciegos del país. Si no es mucho pedir, podría la humanidad dar un paso adelante y difundir estos progresos para que TODOS nos concienciemos de somos IGUALES, y no sólo nos quedemos en la apariencia y en el egocentrismo. El hombre es el animal más egoista, por deagracia para el hombre.

Mucha gente encuentra en la danzaterapia la solución a problemas patológicos

Mucha gente entiende el baile como un absurdo; otros, sin embargo, se desviven y viven sólo para la danza. ¿Cómo puede ser eso? ¿Cómo un mismo concepto puede distar tanto a dos percepciones humanas? La danza está unida a la psique humana por lo que, si se trabaja en y con ella, se puede llegar a conclusiones y POSIBLES SOLUCIONES a PROBLEMAS de SALUD. Nace de la danza en su forma más simple: de los movimientos naturales y espontáneos del ser humano. Es una técnica corporal que interrelaciona arte (danza) y ciencia (psicología) para la atención d problemas de salud y de aprendizaje en un proceso de integración psicofísica. 

la solución está en la danza

 O podría estarlo. La expresión de la interioridad de las personas a través de la danza, potencia la construcción de un yo corporal más seguro. Estas son algunas de las teorías, según la Escuela Integral de Danza:

Trastornos de la alimentación: los pacientes con algún trastorno de la alimentación (anorexia, bulimia, obesidad) padecen distorsión de su imagen corporal, baja autoestima y pobre concepto de sí mismos, suscitándose a menudo problemas de relaciones interpersonales, y, tienen dificultad para identificar sentimientos. A través de la danzaterapia estos pacientes son animados a reconocer la tensión en sus cuerpos como un signo de sentimiento. Este reconocimiento permite controles y elecciones más saludables para reemplazar así las comilonas autodestructivas y los ciclos de purga. Sus sentimientos pueden ser expresados simbólicamente en movimiento.

Niños: A través de la motivación expresiva del movimiento, los niños entran en contacto con diferentes nociones espaciales y temporales. En el trabajo con los niños, la espontaneidad permite que entren en contacto con diferentes nociones espaciales y temporales. En el caso de pequeños aislados o tímidos, que sufran algún tipo de rechazo del grupo, la experiencia con el cuerpo mediante el ritmo les permite movilizar la vía de comunicación en su interior. ¿Por qué me muevo y para qué? se convierte en la clave.

Sordera e Hipoacusia: el lenguaje de estas personas es el silencio, curiosamente lo único que no sabe escuchar una persona sin discapacidad alguna, como tú y como yo. Estas personas no ESCUCHAN pero sí EXPRESAN. El silencio es el lenguaje encerrado en el cuerpo para que pueda danzar con las palabras, formas, colores y ritmo mediante su expresión.

Ciegos: la danzaterapia trata de despertar la dormida expresividad del individuo. Se trata de un puente sin esa rigidez física a la que se acostumbran.

Más sobre Danzaterapia

Más teatro de calle y más bailes en el Antiguo Casino son dos de las novedades que incluye la programación del Carnaval 2010 de Ciudad Real. Este año, el festejo contará también con la novedad musical  con el acompañamiento de dos, conciertos: dos singulares artistas: Mónica Naranjo y Fito y los Fitipaldis.

Carnavales para todas las edades

El inicio del Carnaval arrancará el día 13, en el Teatro Quijano, con la elección de la reina y damas de la ciudad, título al que aspiran seis jóvenes elegidas por sus respectivas peñas. Más tarde, tendrá lugar la actuación de las chirigotas “Mazantini”, “Agítese antes de usar”, y “Házte con los nervios”. La inauguración del carnaval, el pregón, a cargo de Los Clones y la proclamación de la reina y las damas anunciarán el cierre del evento.

Sobre la una de la tarde,  se dará inicio al primero de los dos espectáculos de teatro de calle con el título “Spanish Blood”, que correrá a cargo de la compañía Azar Teatro. La entrega de los premios del concurso local tendrá lugar a última hora de la mañana. El lunes, en el Pabellón Príncipe Felipe, se celebrará la fiesta de Carnaval de los mayores, que contarán con merienda incluida. La fiesta infantil será para los más pequeños a partir de las cinco y media de la tarde, amenizada por el Grupo de Voluntariado Joven Municipal “Toma mi tiempo”.

El primer baile de máscaras será la actividad nocturna. Se celebrará en el Centro Cultural Antiguo Casino, amenizado por la Orquesta Ilusión en el que también tendrá cabida el sorteo de viajes y regalos.

El tap o claqué se trata de un estilo de baile que llega a Estados Unidos en el siglo XIX. Su carácter novedoso llevó a la rápida popularización y expansión de la danza por todo el mundo. Surge en 1830, aproximadamente, como una fusión de danzas irlandesas, escocesas e inglesas y, se dice, que también puede tener influencia de movimientos africanos. Los bailarines, en su mayoría inmigrantes de diversas nacionalidades, se reunirían para competir y para demostrar sus mejores cualidades y pasos. Un nuevo estilo de baile nacía.

 Claqué en Broadway

 El claqué sufrió su etapa evolutiva de 1900 a 1955, en EEUU, cuando se configura como la danza principal de las actuaciones de Vaudeville y Broadway. Los grandes espectáculos incluyeron números de tap en sus repertorios como parte de sus demostraciones. La danza tap fue llamada “danza del jazz”, pues era la música de la que se servían los bailarines para bailar el claqué: éstos, en la década de los años 30, 40 y 50 se trasladaron de Vaudeville a las películas y televisión.

Los años 50 tendrá lugar el declive de este estilo de baile y de la música jazz en contrapartida del Rock & Roll y la danza de jazz. Esto explica que el estilo tap y el jazz tengan movimientos en común. Sería en los 80 cuando una serie de shows en Broadway (Sophisticated, Ladies, Black and Blue) y de películas (White Nights, The Cotton Blue) dieron un nuevo impulso a este novedoso estilo de baile.

La indumentaria de la samba es rica en ornamentación y colorido

La Samba se trata de la danza típica de Brasil. Mucho antes de reconocerse como baile latinoamericano, sus orígenes más profundos proceden de territorio angoleno y se entendía como un baile de fecundidad. Su nombre se debe a que el baile consistía en el roce de los ombligos entre la pareja; samba significa ombligo en lengua bantú. El ritmo viene marcado por instrumentos de percusión y por cantos en los que coros y solistas se alternan. Generalmente, la Samba se baila en círculos o en líneas dobles. En su modalidad deportiva y competitiva, se baila por parejas. Finalmente, la Samba se constituye como el ritmo por excelencia de los carnavales cariocas: se convierte en un fenómeno de masas y en el símbolo de Brasil.

sí pero con gracia, por favor

A partir del impulso de la industrialización en Brasil en 1930 llegó, también, una intensa comercialización de la industria folclórica. En 1949 la Samba pasaba a considerarse un baile de salón. Sin embargo, en Europa se bailaba de una manera mucho más simple pues las raíces, que también influyen, hicieron que a los europeos les resultara difícil o encontraran algunas dificultades a la hora de ejecutar movimientos, como el sutil golpe de cadera. Y es que el ritmo brasileño o se lleva en la sangre o, por el contrario, serás un gran bailarín de la Samba.

A fines del siglo XIX, los ritmos más populares en Brasil son, por un lado, el lundú de origen bantú y, por otro, el maxixe; género con influencias de la habanera. Como así también le sucedió al Tango, esta danza tendría que esperar para ser bien recibida por las clases acomodadas. Finalmente, grandes artistas de la talla de Pixinguinha y Sinhô impulsan la Samba y contribuyen a su aceptación social. Se convierte en un fenómeno de masas y en el símbolo de Brasil. Otros autores como Mario Reis y Carmen Miranda la llevan a Estados Unidos.

En Río de Janeiro, en 1927, se crea la Escuela de Samba Deixa Eu Falar (Déjame hablar), con lo que cumplen su sueño Heitor Dos Prazeres y otros músicos negros: organizar asociaciones carnavalescas y producir un espectáculo elaborado. Para entonces, el género original se ha ramificado en samba-cançâo, samba-exaltaçâo, samba-versado y , más recientemente, samba-reggae.

Con 856 millones de habitantes, África se convierte en el tercer continente en cuanto a población total, lo que explicaría la presencia de una gran diversidad musical y de danza. Ambos conceptos van ligados de la mano a lo largo y ancho del continente y los bailes varían en función de las estaciones del año, entre otros motivos.

mover el esqueleto

Una de las culturas ancestrales y más antiguas de la historia africana es la cultura Mandinga o Maliké. Esta, así como todas aquellas que proceden de la misma raíz, se basa en una fuerte improvisación a golpe de tambor. La percusión juega un papel importante en la danza africana cuyos sonidos mezclados y procedentes de diversos tambores simultáneos, aunque no necesariamente al unísono ni siguiendo un pentagrama previo, permiten al bailarín mover cabeza, torso, brazos, cadera, pies y piernas cada extremidad al ritmo del tambor que escoja. Esto permite, por ejemplo, que se pueda llevar a cabo el baile en pies y manos simultáneamente al ritmo de dos tambores distintos. Vamos, que la expresión de “a mover el esqueleto” ¡la inventaron los africanos!

La danza africana se reconoce, sobre todo, por dos elementos instrumentales básicos: el tambor y la kora. Al igual que en el resto de culturas, la cultura africana está fuertemente ligada a las fases de la tierra (catástrofes naturales, cambios de estación, entre otros) así como también a las fases de la vida (nacimiento, crecimiento, matrimonio, muerte, etc). Además de la cultura Mandinga, existen otras tribus que cuentan con danzas propias; cada una se lleva a cabo por diferentes motivos, ya sea en función de eventos rituales, propósitos particulares, honrar a las fuerzas espirituales en las ceremonias religiosas o la mera diversión.

Leer Viaje al Corazón Mandinga

Pilobolus es una compañía de danza contemporánea que comenzó en 1971. Sus coreografías se distinguen de las demás por la “ausencia” física de los bailarines que se encuentran tras una pantalla iluminada por un gran foco. Dicho de otro modo, el resultado de las coreografías es la interpretación de un conjunto de bailarines con una gran técnica y experiencia cuyo resultado visual son la forma y el contorno de animales, personas o cosas en forma de sombras. Una ilusión óptica y singular apta para todos los públicos y especialmente recomendada para los entornos familiares.

Sombras Cuenta-Cuentos

Mediante un juego de luces y música, los bailarines se mueven a lo largo del escenario cambiando unas formas y adaptando otras. Se trata de construir una historia que se sucede paralelamente al desarrollo de una música lenta y que requiere de un sentido fundamental para seguir el hilo conductor: la vista.

En 2009, Madrid conoce Shadowland: un nuevo espectáculo completo de sombras de la compañía; resultó ser uno de los más originales del año.  Shadowland abarca las aventuras galácticas de una chica que se ve atrapada en un universo de sombras del que únicamente podría escapar buscando una salida que le llevará a recorrer diferentes escenas de amor y horror.

Este grupo de teatro Norte Americano ha llamado tanto la atención con sus presentaciones que han estado presentes, no sólo en la representación de obras teatrales viajando a nivel mundial, sino que han formado parte de cuñas publicitarias y programas de televisión tales como el de OPRHA así como en la entrega de los premios Oscar. Sus bailarines, en su mayoría procedentes del continente americano, cuentan con el graduado en danza cuya trayectoria profesional, así como cualquier otro dato de interés, os facilito pinchando aquí: www.pilobolus.org

Juan Luis Guerra, un hito en la historia de la bachata

La Bachata se trata del baile típico de la República Dominicana. En sus comienzos se lo consideró como un ritmo callejero más, escuchado en su mayoría por la clase media pobre de la mencionada región. Sin embargo, a mediados de los años 80 e impulsado por el incremento de la influencia de los medios de comunicación, este género musical traspasó las fronteras de Latinoamérica, llegando así a todos los rincones del mundo. Esto se debe gracias a artistas de la talla de Juan Luis Guerra y Víctor Víctor así como a los originarios grupos cubanos de los años 30 como Sexteto Habanero, Trió Matamoros y Los Compadres.

Alcohol, tabaco y sexo

Se considera un híbrido del Bolero (sobre todo el bolero rítmico) con otras influencias musicales como son el pasillo, el huapango, y el Son Cubano, entre otros. La bachata es parte de la cultura dominicana y, como tal, podría ser abordada y estudiada desde el punto de vista histórico y antropológico. Su nombre designaba, más que un baile, una actividad social, divertida, emocionante y alegre ya que, cuando alguien se refería a ese término, lo hacía en relación a reuniones sociales con alcohol, tabaco y mujeres. Es decir, lo relacionaban con el jolgorio de un ambiente festivo.

Hablamos de una música que poco tardaría en cobrar auge y en extenderse de manera abrumadora entre los latinos que viven dentro de las fronteras de Estados Unidos. Forma parte de un largo periodo de evolución de, al menos, cuatro décadas que se desarrolla en las calles de Santo Domingo. Es un estilo de danza que cuenta con una línea muy sensual en la ejecución de los movimientos.

Benji, profesor británico de Commercial Dance y de la escuela Fama ¡a bailar!

El Commercial Dance se trata de todos aquellos bailes que vemos en cada videoclip o show en los escenarios. Más que un estilo de danza, la terminología alude a un concepto que nace y evoluciona como fundamento dependiente de la industria musical y directamente vinculado a ella. Su importancia en la actualidad aumenta directamente proporcional a la constante necesidad de hacer vídeos cada vez más atractivos. En ellos, los artistas pueden expresar y enfatizar a su antojo a través del baile, sea en solitario, en grupo o formando parte de una pieza coreográfica.

ellos bailan; nosotros pagamos

Cuando hablamos de este estilo de danza, nos referimos a las coreografías creadas para artistas pop por compañías famosas unas,otras menos, de danza y baile. Sirven para promocionar el trabajo del mismo a través de la televisión y vídeos que rápidamente cobran vida y se mueven por el universo de Internet. Cualquier baile puede considerarse parte del Commercial Dance siempre y cuando el enfoque esté puesto en la actitud del artista y no cuente con las rasgos propios de alguna otra categoría de baile como tal.

Los estilos de danza que se utilizan en el Commercial Dance o “Video Dance”, pueden incorporar movimientos de Modern Jazz, de Danzas Latinas y muchas New Style Hip Hop etc.. Britney Spears, Justin Timberlake (pincha en su nombre para visitar página web), Destiny’s Child son algunos de los ejemplos de artistas de fama internacional que podríamos nombrar cuando hablamos de Commercial Dance.

A nivel de show, el coreógrafo dispone de los aspectos técnicos para aportar más fuerza y versatilidad así como energía y dinamismo a sus coreografías. Estos aspectos técnicos son visibles al público en eventos como conciertos o espectáculos. Estos refuerzos o apoyos que enfatizan la ejecución del baile pueden ser desde el uso de proyecciones de vídeos hasta la sincronización de efectos de luces y efectos escénicos multidimensionales.

Se trata de otro concepto: el Stage Dance. Jaime King, coreógrafo y director artístico apuesta por esta estrategia y lo pone en práctica al combinarlo con el estilo de artistas como Madonna, con altos presupuestos escénicos; acabáis de descubrir un detalle de las últimas coreografías de la artista en su último concierto en España en Barcelona (2009). De manera que, mientras unos se curran el trabajito de otros, éstos otros cobran por bailar sus coreografías (mejor o peor, porque tela con lo que hay en el mercado) mientras nosotros nos quedamos embobados mirando como fanáticos y pagando una auténtica pasta por las entradas que algunas, y hay que reconocerlo, realmente lo valen.

Aquí va una coreografía que ha dado la vuelta al mundo entero (casi).

Conocido también como breaking o b-boying. El Break se trata de un estilo de baile urbano que forma parte de la cultura Hip Hop, en el ámbito de los bailes callejeros de Street Dance, surgido entre los jóvenes afroamericanos en las zonas pobres de las calles de Nueva York (Harlem, Bronx, entre otras). Su origen no está definido ya que sus primeras apariciones se debaten entre NYC y Los Angeles; sin embargo, se sabe de su existencia en la década de los 70 pero no sería hasta los 80 cuando alcanza una gran cobertura mundial. El B-boying combina una serie de movimientos acrobáticos, rítmicos y frenéticos influenciados por otros campos como las artes marciales, la capoeira, la gimnasia, el funky y otras danzas folclóricas.

Vencedor por autoaprendizaje

Se trata de un estilo de baile que rápidamente se desarrolla debido a su perfeccionamiento a partir del autoaprendizaje, básicamente. Con la popularidad del Hip Hop en el siglo XXI se puede hablar de un resurgimiento del Breakdance. Originariamente, resultaba un baile masculino pero poco tardaría en conocer a sus primeras B-girls. Se trataba de una manera “diplomática” entre las bandas callejeras para resolver disputas sobre la ocupación de territorios. Lejos de recurrir a la violencia, muchos jóvenes vieron en el Break la solución para sus disputas con otras bandas (más o menos) conflictivas. El perdedor se retiraría discretamente y sin montar escándalos ya que estos encuentros callejeros solían (y suelen) atraer a mucho público (al que nos hemos referido como jurado) y nunca conviene desobedecer: son las reglas de la calle.

Comenzó como un método de las bandas rivales cristalizado en una exhibición de bailes por turnos. El bando ganador era el que demostraba mayor habilidad y conseguía ridiculizar al oponente. Dentro del campo del braker, caben destacar alguno de los estilos que pertenecen al ámbito del hip hop: popping, locking, liquiding, tutting, uprock, krumping, entre otros.

Imagen de la película Step Up

El Street es el término empleado para referirse a aquellas danzas con naturaleza en los bailes sociales que reconocen la improvisación y el contacto con el espectador, y entre los bailarines, como alguno de sus rasgos fundamentales. La ausencia de reglas ha permitido que este baile callejero haya estado expuesto a un continuo desarrollo: contrariamente a otras formas de danza, la mayoría de los bailes que caben en esta categoría (funky, streetdance, breakdance, etc) alientan la creatividad y originalidad personal. Los bailarines interpretan libremente los movimientos ya existentes, improvisando pasos y creando otros nuevos derivados de los anteriores o con notas personales del bailarín, aumentando así su complejidad. Esto es arte.

Batalla en el centro del Jamm

El Street Dance es uno de los bailes callejeros que más se ajusta a los cánones de la improvisación y el estilo personal: hablamos del Freestyle, el mejor brillante pulido  digan lo que digan, y no tanto pasito estudiado durante una exhibición. Arriesgar el mínimo no da morbo, chavales, y menos si se encuentra estricta y totalmente guionizado y preparado. Pero a la gente eso no se le mete en la cabeza.

El Street incluye todas aquellas danzas sociales como el Funky, el Hip Hop y el Breakdance. En los años 70, los jóvenes latinos y afroamericanos agravados por una situación marginal y de pobreza sienten, cada vez más, la necesidad de  expresar sus emociones y sentimientos. Esta forma de expresión uno: se encuentra en el baile y dos: se demuestra en la calle lo que llamó con facilidad la atención de los jóvenes y adolescentes y en lo que no me parece que incluya en este hobby nada de violencia como para llamar a estos chicos “delincuentes”.

Las batallas callejeras reciben el nombre de “Jamming” y se constituyen por encuentros o por duelos. El Jamm se trata de un tipo de espectáculo informal a modo de batalla. En torno a un círculo de espectadores, los bailarines se disponen a mostrar sus mejores pasos por turnos, solos o en parejas. El jurado lo constituye el público espectador quien observa a los debutantes y decide quién es el vencedor. Los estilos que admite en este campo son: krumping, liquid dancing, locking, popping, robot, tutting y uprock, entre otros.

El Hip Hop se trata de un movimiento cultural que marcó un antes y un después en la historia de la música negra hasta el punto en que se expande hasta convertirse en la música propia de la sociedad multirracial. Los que pertenecen a esta cultura reiteran su libertad de expresión a través de la voz, el cuerpo y las experiencias que inmortalizan en los versos de sus canciones. Estos cantantes hablan con la necesidad de mostrar algo al mundo; una manera de intentar hacer comprender aquello que únicamente comparte quien lo ha experimentado o vivido.

Nace el rapero

Sus raíces se remontan a la década de los 60 y 70 en las calles de las ciudades norteamericanas. En principio, se conocen como cantos reservados exclusivamente para negros a través de la cual representan su expresión y manera de entender el mundo. Esto lo consiguen a través del baile y la música, surgiendo así fuertes sentimientos de libertad. De este modo, nace una cultura que envuelve un nuevo estilo de vida: aparece así la figura del rapero.

Junto con el rapero está la música; no sólo la cantada sino también la bailada. En este sentido, aparecen nuevas formas de baile que sirven para el desfogue de los adolescentes reprimidos y que se muestran contrarios a la realidad. Nacen así el Hip Hop y todos los subgéneros de Street Dance (película de SD) que derivan de éste y que pertenecen al ámbito de baile callejero y su profunda historia.

El estilo se caracteriza por sus anchos movimientos, acrobacias y pasos en el suelo

El Krump se trata de una expresión de la ira o de liberación de la emoción reprimida ante la lucha de la vida. Este estilo prácticamente reciente y también derivado de la cultura del Hip Hop y del Street Dance, nace en los primeros años del comienzo de siglo (aunque ya se atisbaban coletazos en la década de los 90). Se trata de una fusión de movimientos entre el baile africano y el Street Dance de cuyo comienzo se habla en las calles de Los Angeles como vehículo para expulsar la ira, la frustración y la actividad violenta del gangster pandillero.

El Gran Hermano

El Krump es un conjunto de movimientos muy frenéticos y enérgicos, libres y exagerados de la cabeza, los pies, las piernas, los brazos y el pecho. Antes de bailar, al igual que con las bandas de Break, los bailarines se pueden agrupar en torno a familias o “fams”. Estos se reúnen en círculos y comienzan a batallar. Pero, en este caso, existe una estructura interna jerárquica presidida por el Gran Hermano, que sirve como instructor de baile y mentor espiritual para su grupo. Asimismo, también puede escoger a sus discípulos, a quienes llamará “junior”. Este cuenta con muchas aptitudes para alcanzar su experiencia y por ello el Gran Hermano le permite aprender de él.

Por debajo de los Junior, se encuentran los Lil (hermanos pequeños) quienes, para subir de rango, retan al krump junior. Si gana, se cambiarán los papeles; si pierde, se quedará como está; si empata, pero las habilidades y el grado de complejidad en el baile han sido altos, ascenderá al título de junior mientras que el junior original, quedará inmóvil en su puesto o bajará de rango. ¡Mala suerte!

El siguiente vídeo es una batalla entre Krump y Clásico. Se trata de alumnos de la escuela de danza Fama ¡a bailar! Lo mejor de krump se encuentra entre lo 40 primeros segundos: baile con “rollito”, ancho, a lo grande y con mucho “groove”.

Pareja española compitiendo en modalidad Pasodoble

El Pasodoble se trata del ritmo más genuino y representativo de la música española. Hablamos de un baile típico español cuyos orígenes se remontan a la década de los 50; uno de los bailes de pareja que se siguen conservando en la actualidad. Parece ser que el pasodoble procede de la tonadilla escénica, que era una composición que en la primera mitad del siglo XVIII servía como conclusión de los entremeses y los bailes escénicos y que luego desde mediados del mismo siglo era utilizada como intermedio musical entre los actos de las comedias.

Las Tunas y Paquito “el chocolatero”

Una de las razones por las que se piensa que este género se ha mantenido vivo es la Tuna: agrupaciones musicales universitarias características del siglo XII. Y es que las Tunas llevan consigo un factor muy importante que no les permite hoy en día caer en el olvido: su gran vistosidad y alegría.

Pero existe, además, un hito del pasodoble. Y, es que, ¿quién no ha cantado alguna vez “Paquito, el chocolatero”? Se trata de una composición musical creada en 1937 por el autor español Gustavo Pascual Falcó. Escrita bajo los aires del Pasodoble, se tuvo el honor de escucharla por primera vez en las fiestas de Moros y Cristianos. Desde entonces, esta obra ha gozado de una amplia difusión y popularidad en España, siendo según un informe de la SGAE, la pieza musical más interpretada en vivo durante el año 2007. ¡Ahí va eso!

En cuanto al Pasodoble como baile español, cuenta con una estructura muy sencilla en donde las figuras se mueven libremente y de forma ágil. Su ritmo básico también es sencillo: con los dos cuerpos uno frente al otro y ligeramente inclinados hacia la izquierda el hombre y la mujer aferran también sus manos y comienzan a bailar. El pasodoble forma parte del repertorio de las bandas de música españolas y suele constar de introducción y dos partes principales, con un ritmo aflamencado. Como danza es semejante al one-step; se diferencia en el número de pasos que se dan al bailar y en sus respectivos nombres.

Seriedad, precisión, limpieza y belleza. Las cuatro características que pueden definir un Pasodoble español bien ejecutado, aun cuando no hay cámaras delante ni se está compitiendo en pista. Si ya lo decía Rocío Jurado: ¡Qué viva el pasodoble!

Y lo prometido es deuda: aquí la versión original de “Paquito, el Chocolatero”

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Elvis, la leyenda del Rock & Roll

El término Rock se aplica a un conjunto de corrientes musicales que surgen a mediados del siglo XX en Estados Unidos. En sus comienzos se desarrolló como un fenómeno de masas cuyas raíces proceden del rhythm and blues, el gospel, el country and western… Según el compositor y bluesman negro Muddy Waters es “un hijo del rhythm and blues al que llamaron rock”. No obstante, el Rock se trata del resultado de la adaptación de todas estas fuentes en un mismo ámbito y bajo una misma categoría, diferenciando el Rock&Roll, del Twist o del Blues, por ejemplo. Sin embargo, sus antecedentes más directos se encuentran en el jazz, en los ritmos africanos trasplantados a los Estados Unidos y, posteriormente, desarrollados en las comunidades negras, dando así comienzo al blues y el gospel.

Elvis Presley

.. El éxito del Argot Juvenil ..

A comienzos de la década de los 50 aparece en la cuna de Estados Unidos una nueva modalidad musical popular que fue bautizada como el Rock & Roll. La causa de su nacimiento se debe a la exigencia de ruptura con los géneros musicales del momento. Se necesitaba un toque fresco y novedoso. Su público lo formaba los adolescentes que reivindicaron sus inquietudes y aspiraciones. Su rapidísima aceptación hizo que se diera a conocer en órbitas cada vez más expandidas encontrando en los medios de comunicación de masas el calor de su mejor aliado.

Su máximo exponente fue Elvis pero no todo en la década giró entorno a él. El Rock&Roll también vio nacer a una lista amplísima de artistas; destacan personajes como Chuck Berry, Little Richard, Bob Didley, Buddy Holly, Jerry Lee Lewis, Fats Domino, Roy Orbison, Edie Cochran y The Everly Brothers, entre muchos otros, sin contar con los grandiosos The Beatles y The Rolling Stones.

Cuenta con un tempo enérgico y dinámico, con sonoridades duras e intensas, y un estilo vocal estridente, de tono áspero; ambos constituyen las características básicas del género. La voz solista suele interpretar textos que incorporan términos del argot juvenil y están frecuentemente relacionados con el tema del sexo y el mundo de los adolescentes. Casi de manera inmediata a su presentación en sociedad, el Rock&Roll se aplicaría de manera genérica al conjunto de la música popular de finales de los 50 y pasaría a designar temas sentimentales de bandas vocalistas de color como los Platters, entre otros.

La música que nunca pasa de moda. Elvis Presley se convierte en el máximo representante del Rock & Roll de la época y marca un hito en la historia de la música Rock. 

 All Shook Up.

El Rey del Pop, maestro del Popping.

El Popping, o también conocido “Boogaloo”, aparece en la década de los 70. Se trata de una combinación del baile funky y de estilo callejero basado en una técnica de contracción y relajación rápida de los músculos para provocar algo parecido a un “calambre” en el cuerpo del bailarín conocido como “pop” o “hit”. Imaginarás que sin darte yo ninguna pista o ejemplo sería difícil, o podría serlo (no quiero herir tus sentimientos)  pensar ¿cómo son los “calambres”  que dice este blog? Si no caes en ninguno, se me ocurre el mejor ejemplo para darte: el estilo del Rey del Pop.

..El “calambre” de Jackson..

El Popping permite varios movimientos simultáneos (pop del brazo, pop de la pierna, pop del pecho…) o por separado, es decir, por partes del cuerpo. De esta manera, el efecto mostrado puede variar en intensidad, a gusto del popper, dándole énfasis a aquellas partes del cuerpo que quiere destacar por encima del resto en un momento determinado. Vamos, para que nos entendamos; algo similar al estilo “robot” (que cuenta con sus técnicas propias) y no precisamente la vergüenza del “Chikilicuatre”(resalto el entrecomillado).

Sigamos con el Popping. Michael Jackson contribuyó a la rápida popularización de este estilo de baile con el Robot y otros pasos como el Moonwalk .Su expansión se produjo de manera casi inminente a su aparición impulsado, a su vez, por películas como “Breakin” (refiriéndose también a otros estilos de baile en el ámbito del Breakdance pero confundiéndolos todos con éste último, sin distinciones).

Los otros estilos que se pueden asociar con el Popping son: El “Air posing”, el “Animation”, el “Boogaloo”, el “Boppin”, el “Botín”, el “Cobra”, el “Creepin”. El “Dime Stopping, el “Filmore”, el “Floating/Gliding” , el “Puppet”, el “Robot”, el “Saccin”, el “Scarecrow”, el “Strobing”, el “Struttin”, el “Ticking”, el “Tutting” y el “Waving”.

De lo mejorcito que existe, no sólo por sus movimientos sino por su precisión, por su limpieza y, sobre todo, por la sensación de grupo e integración que de ellos emana. Habrá un espacio dedicado exclusivamente a este grupo, experos del popping así como de otros estilos derivados del arte callejero y robótico.

Te presento a los Jabbawockeez.

http://www.youtube.com/watch?v=nZuJVY_8hQ0

Michael Jackson, moonwalk:

http://www.youtube.com/watch?v=UgPKc9FUC6Y

El padrino del soul en uno de sus conciertos.

El Funky comparte con el Hip Hop parte de su trayectoria. Se trata de un estilo de baile muy frenético. Los movimientos se separan en “ochos”: conjunto de ocho pasos que se ejecutan en un (generalmente) corto espacio de tiempo dentro de un espacio musical. Uno de los factores más importantes de este estilo de baile es la precisión y el ensayo; debido a la rapidez de la música o la rapidez de los ochos (aunque la música sea algo más pausada) tienen que estar bien marcados y diferenciados unos de otros. Cuando esto se consigue, se dice que la coreografía está limpia.

 La Batalla de la Calle

Se trata de uno de los estilos callejeros favoritos por los adolescentes. Consiste en una forma de expresión corporal, como todo baile, pero sin una composición musical estereotipada y/o prefijada. Hablamos de un estilo libre (freestyle) que nace de la calle, donde no hay reglas ni normas y el único  arma para ganar una batalla callejera es el cuerpo a golpe de impulsos (libres y personales).

Estilo musical que surge del ambiente nocturno en el corazón de las comunidades afroamericanas y latinoamericanas de Estados Unidos; era considerada como música marginal que expresaba en sus letras el disgusto de la comunidad negra en ese país debido a la discriminación. Con sus orígenes en el soul, se dice que su verdadero comienzo tuvo lugar con James Brown bautizado como “el padrino del soul”. Uno de los cantantes, músicos y compositores más influyentes de la segunda mitad del siglo XX.

El Funk resulta de una evolución anterior del gospel al blues, del blues al soul y, finalmente, del soul al funk. Más tarde, surgirían nuevas formas de este estilo musical, tales como el funk de los 60, Black Rock, Funky de los 70, Jazz Funk, Funky Disco, Jazz-Funk, entre otros.

James Brown  (pincha en el nombre para ver listado de canciones en otra página) y la que dicen fue la canción que marcó el comienzo del Funky: I Feel Good. Otras canciones que deben recordarse y que constituyen un hito en la historia de la música, también de James Brown, son: Sex Machine, It’s a man’s world y Living in America, entre otras.

Pareja deportiva de la modalidad en competición

Su origen se remonta a la década de los 50 con el flautista, compositor y director de orquesta Enrique Jorrín quien, a partir de un proceso de experimentación y evolución con el Danzón, dio lugar a la creación de este baile de raíz cubana: el Chachachá. Se trata de uno de los bailes más recientes incorporados a la lista de bailes latinos. Se caracteriza por un ritmo, si no rápido ni lento, marcado (en cuanto a los tiempos se refiere) y sostenido lo que le convierte en una danza fácilmente bailable.

 De Sangre Cubana

La canción de Jorrín que marca el nacimiento del Chachachá es “La engañadora”, en 1948. Se trataba de la canción resultante a partir de sus experimentos con la melodía propia del Danzón. La variación consistía en la incorporación de un trío de cantantes. La interpretación de la letra al unísono de tres voces supone la variación con respecto al Danzón, que es puramente instrumental. El novedoso género permitió la aparición de nuevas figuras en el momento de la ejecución del baile: la improvisación comienza a jugar un papel importante y decisivo.

Su creador bautizó a este género como “Neo Danzón” pero sería después, poco a poco y con la ayuda de los bailarines, cuando al inventarse el baile que se acoplaba a este nuevo ritmo, se descubrió que los pies marcaban un triplete de sonidos de ritmo sincopado. Nace así el nuevo término que hoy conocemos como el Chachachá. Rápidamente se extendería por el continente americano, sobre todo en México. Su rápida difusión se debe a que se concibió como un baile festivo y, como se ha comentado con anterioridad, su fácil ejecución incitaba a bailarlo a cualquier persona, incluso para aquellas con pocas nociones de danza.

Parece fácil, ¿verdad? ¡De fácil nada! Si todavía hay mujeres que piensan que hay pocas maneras de lucirse, están muy equivocadas. No hay curvas más bonitas y llamativas de una mujer que las de aquélla que te emboba mientras baila.

El tango propio de Argentina, concretamente de la ciudad de Buenos Aires, se constituye como uno de los bailes más sensuales de salón. Cuenta con antecedentes africanos, latinoamericanos y europeos. En un hecho de origen popular como el tango y, por tanto, de nacimiento evolutivo resulta imposible apuntar una fecha de nacimiento. Sin embargo, muchos estudiosos han situado el nacimiento del tango en 1880 de lo que entonces no era más que una determinada manera de bailar la música. La sociedad blanca donde nace el tango escuchaba y bailaba habaneras, polkas, mazurcas y algún vals; mientras tanto, los negros (un 25% de la población de Buenos Aires en el siglo XIX), se movían al ritmo del candombe; se trata de un estilo de danza en el que la pareja no se enlazaba y bailaba de una manera más concentrada en la percusión que en la melodía y líneas del cuerpo.

.. Elegancia y Sensualidad ..

Prohibido por la incitación a la lujuria, el tango se censuró y la gente se vio obligada a bailarlo de manera clandestina hasta principios del siglo XX. Además, se bailaba abrazado, cara con cara, por lo que resultaba muy mal visto en la sociedad de la década de 1880. Serían 20 años después cuando el tango comienza a introducirse en las casa de Buenos Aires llegando como un símbolo de elegancia y sincronización. Las letras están compuestas en base a un argot local llamado lunfardo y suelen expresar las tristezas, especialmente en los asuntos amorosos.

La clandestinidad de este baile funcionaba en el costoso alquiler de casas (“La casa de Laura”,”La casa de Maria la Vasca”, “La Gringa Adela”, “La Parda Adelina”) en el que se buscaba el tango, el alcohol y las mujeres. Mientras tanto, los menos adinerados bailaban en patios. Así el tango empieza a cobrar gran importancia trasladándose a las Salas de Cabaret (las más destacadas: “El Abdullah”, “Royal Pigall”, “Tabaris”, “Montmartre”, “Chantecler”, etc.) El Tango se baila totalmente abrazados, cara con cara, por ello es muy mal visto por la sociedad de la época (1880). En las “Academias” se bebía, se bailaba y se escuchaba música, atendidos por camareras. No era muy distinto a un prostíbulo. No sería sino hasta 20 años despues,que el tango comenzó a introducirse en las casas de Buenos Aires. Allí se fue perdiendo la acrobacia que realizaban los primitivos bailarines, para transformarse en elegancia y sincronización, incluyendo el sentimiento y la emoción.

1. Tango Marbelys Zamora (+info): profesional cubana de lírico y bailes latinos. Actualmente profesora en la escuela de baile para jóvenes en Cuatro: Fama ¡a bailar!

2. Tango Lourdes y Jonathan: coreografía de los alumnos de la escuela elaborada por Marbelys en la Gala Final de Fama ¡a bailar!